Ang Rayonism ay isang kilusan na umusbong sa Russia sa simula ng ika-20 siglo, na, sa ilalim ng direksyon ni Mikhail Larionov, ginalugad ang liwanag na parang ito ay isang materyal na nakalarawan. Kahit na ang pagkakaroon nito ay maikli, nag-iwan ito ng isang kapansin-pansing marka, na pumuwesto mismo sa gitna ang mga unang pagtatangka sa pictorial abstractionSa halip na maglarawan ng mga nakikilalang bagay, ang artista ay nagtakdang kumuha ang mga sinag ng liwanag at ang kanilang hindi nakikitang mga krus sa canvas, ginagawang kulay ang bida.
Sa radikal na gawaing ito, pinag-aralan ni Larionov kung paano kumikilos ang liwanag sa totoong mundo: kung paano ito yumuyuko, kung paano ito tumatalbog, kung paano ito naglalakbay nang sabay-sabay sa iba't ibang direksyon. Hindi nagkataon na ang interes na ito ay kasabay ng mga siyentipikong pagtuklas tulad ng radyaktibidad at ultraviolet rays, na nagbabago sa paraan ng pagkaunawa natin sa nakikitang mundo. Ang resulta ay isang pagpipinta na hinahangad na makuha ang mga inflection at light reflection, binabaluktot ang hitsura upang bigyang-diin ang enerhiya at ritmo nito.
Pinagmulan at pang-agham na konteksto
Ang genesis ng Rayonism ay maaaring masubaybayan pabalik sa paligid ng 1910, nang si Larionov, hindi mapakali at eksperimental, ay umalis mula sa maginoo na makasagisag na representasyon. Ang kanyang panimulang punto ay ang direktang pagmamasid sa liwanag, hindi gaanong mga bagay na may iluminado. Kabaligtaran sa klasikal na naturalismo, iba ang tanong: ano ang mangyayari kapag gumuhit tayo sa canvas? ang mga trajectory at banggaan ng mga sinag higit pa sa solidong anyo?
Ang intelektwal na klima noong panahong iyon ay nagbigay ng lakas sa pananaliksik na ito. Ang siyentipikong komunidad ay pinagtatalunan ang mga radiation na hindi nakikita ng mata ngunit gayunpaman ay nakakaapekto sa bagay. Ang modernong sensitivity sa invisible ay ginawang posible na isang pagpipinta na babalik sabay-sabay na pagpapalaganap na may liwanag bilang sentral na tema. Sa kontekstong iyon, ang kulay ay hindi na naging isang simpleng katangian at naging tunay na paksa ng gawain.
Bago naging matatag ang termino, nag-iwan si Larionov ng mahahalagang pahiwatig. Noong 1909, lumikha siya ng isang hindi matalinghagang piraso, na kilala bilang The Crystal (Glass), na naglalarawan sa pagbabagong ito. Hindi ito naglalarawan ng isang eksena, ngunit sa halip ay isang sistema ng mga eroplano, linya, at direksyon na nagmumungkahi ng repraksyon at pagkislap ng liwanag. Makalipas ang mga dekada, ipapakita ito sa New York, sa Guggenheim Museum, bilang isang maagang halimbawa ng istilo ng pagpipinta na ang raison d'être ay nakalagay sa ang pisika ng liwanag.
Ang maikling pag-iral ng kilusan ay hindi pumigil sa radikal na bokasyon nito na maunawaan: hindi nito hinahangad na magtatag ng paaralan, ngunit sa halip ay magbukas ng isang sensitibo at konseptong larangan. Samakatuwid, sa panahong ito, ang mga pagpipinta ng Rayonist ay maaaring bigyang-kahulugan bilang mga sensitibong diagram ng mundo, kung saan ang nauugnay na elemento ay hindi na ang bagay, ngunit ang sinag na dumadaan dito at ginagawa itong manginig.
Mga prinsipyo at pamamaraan ng aesthetic ng rayonismo
Ang teorya ng pictorial ng Rayonism ay nagmula sa isang malinaw na premise: kung ang mundo ay gawa sa mga pagtatagpo ng liwanag, ang pagpipinta ay dapat na itala ang mga pagtatagpo. Samakatuwid, ang mga canvases ay puno ng mga masiglang linya, intersecting beam, oriented na mga segment, at magkasalungat na kulay na pumukaw. mga inflection, reflection at repraksyon sa maraming direksyon.
Ang lahat ng ito ay humahantong sa sadyang pagbaluktot ng nakikitang katotohanan. Ang mga matatag na contour at mga saradong volume ay inabandona sa pabor ng isang pakiramdam ng bilis at sabay-sabay. Nagiging dynamic na field ang espasyo kung saan nakikita ang mga ritmo, pulso, at pagsabog ng kulay. Kaya, ang kulay ay hindi napapailalim sa anumang panlabas na anyo: ito ay nagiging isang autonomous na ahente na nagpapahayag Ang bilis ng liwanag, mga banggaan nito at mga pasikot-sikot nito.
Tulad ng para sa nakalarawan na materyal, si Larionov ay nag-eksperimento sa mga layer, magkakapatong na direksyon, at tonal clashes. Ang direksyon at haba ng bawat stroke ay kasinghalaga ng intensity nito, dahil ang bawat linya ay kailangang magmungkahi isang makinang na vectorIyon ay nagpapaliwanag sa kasaganaan ng mga diagonal, fan, at mga bundle na kumakalat sa canvas tulad ng mga lumalawak na alon.
Sa konsepto, ang Rayonism ay nagmamana at nagbabago ng mga problema mula sa Symbolism at mga nakaraang avant-garde na paggalaw: paano isalin ang isang hindi nakikitang karanasan sa mga visual na palatandaan? Ang sagot nito ay radikal na plastik. Sa halip na ilarawan ang isang teorya, pinipinta ito. Ang canvas ay nagiging isang laboratoryo kung saan naitala ang karanasan. sensitibong pag-uugali ng liwanag.
Ang mga madalas na tampok ng istilong Rayonist ay: ang pagbibigay-diin sa mga pahilig na direksyon, ang pagpaparami ng mga punto ng saklaw ng liwanag, ang pagkapira-piraso ng mga ibabaw sa pamamagitan ng mga sinag na tila naghihiwalay sa kanila, at ang pagpapalit ng bagay sa pamamagitan ng energetic halo nitoAng lahat ng ito ay nagreresulta sa mga komposisyon na nag-vibrate at, sa unang tingin, nagmumungkahi ng paggalaw.
Larionov at ang Rayonist Circle
Pinangunahan ni Mikhail Larionov ang kilusan at, kasama ang kanyang kasosyo na si Natalia Goncharova, binigyan ito ng isang eksibisyon at teoretikal na plataporma. Sa mga taong iyon, pinagsama-sama niya ang mga artista na may katulad na mga alalahanin sa pamamagitan ng mga inisyatiba ng grupo na nagtaguyod ng salungatan ng mga ideya at kritikal na pagpapalitan. Ang kanyang tungkulin sa kolektibong Valet de Carreau ay napakahalaga, kung saan hinikayat niya eksperimento nang walang matalinghagang hadlang.
Noong 1912, inorganisa niya ang eksibisyon na kilala bilang "The Donkey's Tail," isang malinaw na simbolo ng kanyang pagnanais na pukawin at ang kanyang pagpuna sa akademikong conformism. Ang kaganapang iyon ay nagsilbing isang plataporma para sa publikong Ruso na masaksihan mismo ang pagkasira na namumuo. Di-nagtagal pagkatapos nito, noong 1913, si Larionov ay nag-draft at naglathala ng Rayonist manifesto, isang tekstong nilagdaan ng maraming artista—lalo na si Goncharova mismo—na nagpapaliwanag ng kanilang pangako sa liwanag bilang bagay at sa pamamagitan ng simultaneity bilang isang constructive axis.
Kasunod ng manifesto, nagpatuloy ang momentum sa isang partikular na Rayonist exhibition na pinamagatang *The White*, na nagbigay-diin sa kahalagahan ng light field at ang nakabubuo na halaga ng kulay. Gayunpaman, ang kilusan ay hindi naging isang matatag na paaralan; ang intensyon nito ay higit pa sa isang matinding at maikling kritikal na interbensyon. Sa katunayan, ang ephemeral na kalikasan na ito ay nag-ambag sa kanyang avant-garde aura at ang interpretasyon nito bilang isang mahalagang episode sa paglipat patungo sa ganap na abstraction.
Echoes at koneksyon: Simultaneism, Orphism at Futurism
Ang Rayonismo ay hindi umiral nang nag-iisa. Nakipag-usap ito sa iba pang mga paggalaw na, sa parehong panahon, ay nagsisiyasat sa oras, kulay, at visual na karanasan. Ang isa sa pinakamalapit ay ang Simultaneism, na tinukoy ni Robert Delaunay upang ilarawan kung paano maaaring i-activate ang iba't ibang mga tono at anyo nang sabay-sabay sa ibabaw ng pagpipinta. Ang ibinahaging premise: ang pagpipinta ay may kakayahang dalhin sa paglalaro sabay-sabay na mga kaibahan na nagpapatindi ng pang-unawa.
Ang simultaneism ay lumitaw noong mga 1910 na may nagmumungkahi na ideya: ang musika at liwanag ay kumikilos nang magkatulad, at ang pagkakatulad na ito ay tumuturo sa isang cosmic order. Mula doon, dinala ng mga Delaunay ang mga pabilog na istruktura at makulay na palette sa canvas, kung minsan ay napakalapit sa mga Italian Futurists at sa mga Russian Rayonist mismo sa mga tuntunin ng dynamism at kulay. Noong 1913, ang mga Futurista, sa Der Sturm at Lacerba, ay nag-claim ng priyoridad sa paglalapat ng simultaneity; ang debate ay nagpapakita ang theoretical effervescence ng sandali.
Ang gawain nina Robert at Sonia Delaunay ay humantong din kay Guillaume Apollinaire na likhain ang terminong Orphism sa panahon ng isang panayam sa modernong pagpipinta na ginanap sa Salon de la Section d'Or noong 1912. Sa kanyang pananaw, ang sining na ito—nakatuon sa kapangyarihan ng pandama ng kulay at mga dynamic na anyo—ay nagtulay sa puwang sa isang mala-tula na abstraction, na may kakayahang magmungkahi ng isang tunay na mundo sa likod ng isang tunay na mundo. Ang pagbabagong ito ay kumakatawan sa parehong extension ng Symbolist aesthetics at isang proklamasyon na maaaring maging abstraction isang autonomous na wika.
Sa sangang-daan na iyon, ang Rayonism ay nag-ambag ng isang tiyak na pakiramdam: ang mga sinag bilang mga nakabubuong module. Kung ang Orphism ay nagbigay-diin sa mga bilog at chromatic vibrations, at nakuha ng Futurism ang mekanikal na bilis, si Larionov at ang kanyang bilog ay binuo, na may mga beam, intersection, at repraksyon, ang ideya na ang pagpipinta ay maaaring katumbas ng pagsukat, na may kulay, ang daloy ng liwanag.
Mga gawa at legacy sa abstract art
Maraming mga gawa ng mga artista na nauugnay sa eksena ng sining ng Russia sa pagitan ng 1909 at 1920 ay nagbibigay-daan sa amin upang masubaybayan ang thread ng mga poetics ng mga sinag at reflection na ito. Ang mga piraso na ito, sa iba't ibang antas, ay galugarin ang enerhiya ng liwanag at ang kalayaan ng kulay. Kabilang sa pinakamadalas na binanggit na mga sanggunian sa kontekstong ito ay ang mga pamagat na nagmamarka ng transisyon sa abstraction at ang pagsasama-sama ng wikang Rayonist mismo bilang isang paraan ng pag-iisip. ang larawang walang bagay.
Kabilang sa mga akdang nabanggit sa takdang panahon na iyon tumayo:
- Self Portrait (1910)
- Salamin / Ang Crystal (1909)
- The Ox (1910)
- Tandang at Inahin (1912)
- Pulang Rayonismo (1911)
- Pampublikong ilaw (1911)
- Beach (1912)
- Komposisyon (1920)
Ang mga pirasong ito ay hindi bumubuo ng isang saradong katalogo, ngunit nagbibigay-daan sa amin ang mga ito na makita kung paano nagiging prominente ang kulay at angular na brushstroke. Gumagana ang ilan sa mga makasagisag na motif—mga hayop, mga tanawin—na pinasasailalim ang mga ito sa isang pagsabog ng mga chromatic beam; ang iba ay buong pusong yumakap sa hindi pagkatawan. Sa lahat ng mga ito, ang ideya na ang pagpipinta ay maaaring mag-record anong ginagawa ng liwanag sa pamamagitan ng paghawak at pagdaan sa mundo.
Upang maunawaan ang epekto ng Rayonism, makatutulong na maikling balangkasin ang makasaysayang konteksto nito. Si Wassily Kandinsky, halimbawa, ay nagbigay daan para sa kabuuang abstraction sa pamamagitan ng chromatic lyricism, na nagtaguyod sa pormal na awtonomiya ng pagpipinta. Si Piet Mondrian, kasama ang kanyang Neoplasticism, ay dumating sa mahahalagang geometriko na istruktura ng mga linya at eroplano, na muling tinukoy ang paniwala ng visual na balanse. Kasabay nito, itinatag ni Kazimir Malevich ang Suprematism, na nagdala ng geometric abstraction sa isang matinding antas ng kadalisayan, na nag-aalis ng anumang layunin ng representasyon. Samantala, si Lazar Lissitzky ay nagpatakbo sa pagitan ng Suprematism at Constructivism, na nagbibigay ng abstraction na may spatial at architectural na bokasyon na napatunayang mahalaga para sa 20th-century na sining. Ang lahat ng ito ay nagpinta ng isang larawan ng isang ecosystem kung saan ang Rayonism ay nakikibahagi sa diyalogo mula sa pagtutok nito sa... liwanag na mga landas.
Kung palawakin natin ang ating saklaw sa ibang mga rehiyon, lumilitaw ang mga dayandang ng proseso at diwa. Si Joan Miró, mula sa kanyang parang panaginip na pantasya na nauugnay sa Surrealism, ay nagpino ng mga anyo sa kanilang kakanyahan, na nagpapakita kung paano maaaring mapaglaro at nagpapahiwatig ang abstraction. Nang maglaon, sa kabilang panig ng Atlantiko, nilinang ni Mark Rothko ang malalawak na chromatic field, kung saan ang kulay ay kumikilos na halos parang kapaligiran; Jackson Pollock, sa kanyang dripping technique, ginawa kilos at paggalaw ang pinakapuso ng trabaho; at Franz Kline, sa kanyang masiglang black stroke, ay nagtulak ng pormal na ekonomiya sa mga limitasyon nito. Noong 1960s, si Victor Vasarely ay nag-systematize ng Op Art, na nagpapakita kung paano ang geometry at contrast ay bumubuo ng makulay na optical effects. Bagama't naiiba, lahat sila ay nagbabahagi ng intuwisyon na ang kulay at anyo ay nagtataglay ng kanilang sariling likas na enerhiya, isang ideya na ipinahayag ng Rayonismo. sa pamamagitan ng mga sinag at krus.
Sa larangan ng kulay, kitang-kita ang koneksyon sa Simultaneism. Ipinakita nina Robert at Sonia Delaunay na ang magkasabay na kaibahan ay nagpapatindi sa pakiramdam ng paggalaw. Ang araling ito ay nag-uugnay sa isang Rayonist na paniniwala: ang isang komposisyon ay maaaring maging isang makina para sa paggawa ng perceptual vibrations. Apollinaire, sa pagbibigay ng pangalan sa Orphism, intuited na ang isang sining "ng paghahayag" ay nagbubukas up, isang access sa isang mundo na pinagbabatayan araw-araw na pagpapakita. Ito ay tiyak na dito na ang Rayonism ay nagmumungkahi ng sarili nitong paraan: upang ipakita ang maliwanag na background na sumasailalim sa nakikita sa pamamagitan ng linya-direksyon at chromatic clashes.
Bagama't ang Rayonismo ay hindi nag-kristal sa isang matatag o pangmatagalang paaralan, ang maikling trajectory nito ay kumilos bilang isang pingga para sa abstraction sa ibang pagkakataon. Nakatulong itong patatagin ang ideya na maaaring iwanan ng isang painting ang bagay at marubdob pa ring makipag-usap sa pamamagitan ng ritmo, temperatura ng kulay, at direksyon ng brushstroke. Samakatuwid, ang pamana nito, higit pa sa direktang mga alagad, ay dapat masukat sa paraan kung saan ang intuwisyon nito tungkol sa liwanag ay tumagos sa iba pang mga avant-garde na paggalugad. Sa madaling salita, ang Rayonismo ay nagbukas ng landas upang magbago Physics sa visual poetics.
Kung titingnan sa pagbabalik-tanaw, ang kilusan ni Larionov ay isang laboratoryo para sa isang modernong pakiramdam: pagpipinta ng liwanag bilang isang kababalaghan, pagtatala ng mga landas nito, pag-iisip ng kulay bilang isang kaganapan. Kasunod ng mga pagtuklas gaya ng radioactivity at UV rays, ipinaglaban ng Rayonism ang isang imaheng hindi kumukopya, ngunit sa halip ay kumukuha ng intensity. Ang katapangan na ito, na ipinapahayag sa mga manifesto, mga eksibisyon—tulad ng Valet de Carreau, The Donkey's Tail, The White—at mga transisyonal na gawa tulad ng The Crystal, ay nagbigay-daan dito na sakupin ang sarili nitong lugar kasama ng Simultaneism, Orphism, at Futurism. Ngayon, ang halaga nito ay nakasalalay sa pagpapakita na ang abstraction ay hindi lamang isang pagtalikod sa pigura, ngunit isang bagong paraan ng pagtingin. sundan ang landas ng liwanag kung saan hindi maabot ng mata.